Bohemian Rhapsody

«Bohemian Rhapsody»
Sencillo de Queen del álbum A Night at the Opera
Publicación	31 de octubre de 1975
Formato	7"
Grabación	1975: Estudio Rockfield 1 Roundhouse SARM (Este) Scorpion Wessex
Género(s)	Rock, ópera rock, blues-rock, heavy metal, rapsodia
Duración	5:55
Discográfica	EMI, Elektra, Parlophone, Hollywood Records
Autor(es)	Freddie Mercury
Productor(es)	Roy Thomas Baker
«Now I'm Here (1974)» (1975) «Bohemian Rhapsody» (1975) «You're My Best Friend (1976)» (1975)

"Bohemian Rhapsody" es una canción de la banda británica de rock Queen. Fue escrita por Freddie Mercury para su álbum de 1975 A Night at the Opera. "Bohemian Rhapsody" presenta una estructura inusual , más similar a una rapsodia clásica que a la música popular. La canción no presenta estribillo, pero consiste en tres partes principales, entre las que se destaca un segmento operístico, un pasaje a cappella y un solo de guitarra de rock pesado. Dicho solo ha sido considerado el vigésimo mejor de todos los tiempos.​

Cuando fue sacado a la venta como sencillo, "Bohemian Rhapsody" se volvió un éxito comercial, permaneciendo en la cima de las listas británicas durante nueve semanas. Alcanzó allí el puesto número uno otra vez en 1991, luego de la muerte de Freddie Mercury. En total, tuvo 2.176.000 de ventas, siendo el tercer sencillo con mayor cantidad de ventas de todos los tiempos.​

Historia y grabación

El autor de "Bohemian Rhapsody", Freddie Mercury durante un concierto en 1984.

Freddie Mercury escribió la mayor parte de "Bohemian Rhapsody" en su casa de Holland Road, Kensington, al norte de Londres.​ El productor de la canción, Roy Thomas Baker relató como Mercury tocó la balada introductoria para él: "Interpretó el comienzo en el piano. Luego se detuvo y dijo '¡Y aquí es donde la sección de ópera empieza!' Luego nos fuimos a cenar."​​ El guitarrista Brian May dijo que la banda comentó que el esbozo de Mercury para la canción eta "intrigante y original, y digno de trabajarse."​ Mucho del material de Queen se escribía en el estudio según May, pero esta canción "estaba toda en le mente de Freddie" antes de que se sacara a la luz.​ La experta Sheila Witeley sugirió que "el título se basa fuertemente en la ideología del rock contemporáneo, el individualismo del mundo de los artistas bohemios, con lo de 'rapsodia' afirmando los románticos ideales del rock como arte."​ Sobre lo de "bohemio", Judith Peirano dijo que "Mercury intentó [...] [que esta canción] fuera una suerte de ópera, algo fuera de las normas de las canciones de rock, y sigue la lógica operística: coros de muchas voces alternados con solos similares a arias, las emociones son excesivas, y la trama, confusa."​

La canción fue grabada en tres semanas, empezando en Rockfield Studio 1 el 24 de agosto de 1975 luego de un ensayo de tres semanas en Herefordshire.​ Durante el proceso, otros cuatro estudios adicionales fueron usados: Roundhouse, SARM, Scorpion y Wessex.​ Según los miembros de la banda, Mercury preparó mentalmente la canción y los dirigió él mismo.​ Él usó un piano de cola para conciertos marca Bechstein, que aparece en el video promocional y en las giras por el Reino Unido. Fue el sencillo más caro del mundo y es una de las grabaciones más elaboradas en toda la historia de la música.​

May, Mercury y Taylor cantaron continuamente de diez a doce horas por día, obteniendo de esto 180 grabaciones separadas.​ Como los estudios de aquella época solo disponían de cintas análogas de 24 canales, fue necesario que los tres se sobregrabaran numerosas veces y reiteraran estas grabaciones en sucesivas submezclas. Al final, terminaron usando cintas de octava generación.​

Composición y análisis

La canción consiste en seis secciones: introducción, balada, solo de guitarra, ópera, rock y coda o final. Este formato, con cambios abruptos de estilo, tonalidad y tempo es inusual en la música rock. Una versión bastante poco desarrollada de este estilo ya había sido empleada por la banda en canciones como "My Fairy King" o "The March of the Black Queen", pertenecientes a los discos Queen y Queen II. El New York Times ha comentado que "la característica más saliente de la canción es su letra fatalista".​ Mercury se negó a explicar su composición, nada más diciendo que se trataba sobre relaciones. Pese a todo, Queen no ha revelado aún el verdadero significado de la canción.​ Luego del lanzamiento del sencillo, el cantante dijo:

"Es una de esas canciones que tienen un aura de fantasía alrededor. Pienso que la gente debería sólo escucharla, pensar en ella y luego formar su propia opinión acerca de lo que les dice... 'Bohemian Rhapsody' no salió del aire. Hice algunas investigaciones, porque esá pensada para ser un modelo de ópera, ¿por qué no?".​

May, por su parte, supone que la canción contiene referencias veladas a los problemas personales del pianista. Él sostiene que "Freddie era una persona muy compleja: frívolo y gracioso en la superficie, pero a su vez ocultaba sus inseguridades y problemas nacidos durante su niñez. Nunca ha explicado la letra, pero creo que puso mucho de su ser en aquella canción".​ May ha dicho que el núcleo de la letra era exclusivo secreto del compositor.​ En un documental de la BBC sobre el proceso de creación de "Bohemian Rhapsody", Roger Taylor ha comentado que el verdadero significado de la canción es "claramente de auto-exposición, con sólo unas pequeñas partes sin sentido en el medio".​

Sin embargo, cuando la banda lanzó un disco recopilatoio con sus grandes éxitos en Irán, un folleto en persa fue incluido allí, que contiene las traducciones de las letras a este idioma y sus explicaciones. En el caso de "Bohemian Rhapsody", se aclara que trata sobre un hombre que mató a alguien, y, como Fausto, vendió su alma al demonio. La noche antes de su ejecución, llama a Dios en árabe, diciendo "Bismillah", y, con la ayuda de sus ángeles, puede recuperar su alma, que estaba en manos de Satán.​

A pesar de esto, los críticos siempre han estado especulando sobre el significado de la letra. Algunos creen que describe un asesino suicida atarpado por demonios, o sólo eventos antes de una ejecución. Esta última explicación remite a la novela de Albert Camus El Extranjero, en la cual un joven confesa un asesinato llevado a cabo por un impulso y tiene una visión antes de serle aplicada la pena capital, que pudo servirle a Mercury como posible inspiración. Otros piensan que la letra sólo fue compuesta para que combine con la música y no tiene significado. Kenny Everett ha citado a Mercury afirmando que aquella letra era "un conjunto aleatorio de rimas sin sentido". ​

Sheila Whiteley sugiere que Mercury había llegado a un punto de inflexión en su vida personal en 1975.​ Había estado viviendo con Mary Austin durante siete años, pero en aquel año había tenido su primer pareja homosexual. La interpretación de Whiteley, es que la canción refleja el estado emocional del pianista en ese tiempo: "[Estaba] viviendo con Mary ('Mama', 'madre' como se llama a la Virgen María) y queriendo dejarla ('Mama Mia let me go')".​

Introducción (0:00–0:48)

La canción comienza con un canto a capella introductorio en la tonalidad de si bemol. Pese a que en el video promocional se vea a los cuatro cantando, esa parte se creó superponiendo cuatro cintas con la voz de Freddie Mercury. La letra cuestiona si la vida es "real" o "sólo fantasía", antes de concluir con que "no hay escape de la realidad". En la canción original puede escucharse: "Is this the real life? Is this just fantasy? Caught in a landslide, no escape from reality". Sheila Whiteley comenta:

"El ritmo sigue la natural inflexión de las palabras, los coros en bloque sin ninguna melodía de fondo crean una ambigüedad subyacente, sostenida por el cambio armónico desde el si bemol a do, y los límites entre "the real life" y "just fantasy"están marcados por una cierta insetabilidad, como "caught in a landslide".​

Quince segundos después, hace su entrada el piano, y la voz de Mercury se alterna con otras partes vocales. El narrador se presenta como un pobre chico que no necesita que le tengan simpatía porque "fácil viene y fácil se va". La escala cromática usada para estos versos ayuda a crear una atmósfera de ensueño. El final de esta sección es marcado por la entrada del bajo y la posición demanos cruzadas en el piano en si bemol.

Balada (0:48–2:35)

Posición de manos cruzadas en el piano, similar a la que usa Freddie Mercury en el video del sencillo.

El piano continúa la balada en si bemol. El bajo de Deacon entra tocando la primera nota, y el canto cambia la armonía y da paso a un apasionado solo ejecutado por Mercury. El narrador explica a su madre que "sólo ha matado a un hombre", con "una pistola [puesta] contra su cabeza", y que con este acto hizo que su vida se arruinara. Sobre esta sección de confesión, Whiteley comenta que "afirma la necesidad de absolución y presenta a la fuerza femenina como nutricia y dadora de vida".​

La línea cromática del bajo se modula a mi bemol, haciendo que la balada tenga un tono desesperado.​ La batería de Taylor entra (1:19) ejecutando el ritmo 1-1-2 de "We Will Rock You" en forma de balada, y el narrador hace la segunda de las tantas invocaciones a su madre en otra tonalidad, contradiciéndose con el tema melódico anterior. Pide disculpas a su madre por hacerla llorar debido a que no sabe si estará mañana a la misma hora, y le pide que haga como si nada pasara. Luego sigue la repetición del patrón de las manos cruzadas en si bemol.

A medida que la balada avanza hacia su segunda estrofa, el narrador muestra lo cansado que está y lo mal que se siente por sus acciones pasadas, mientras que la guitarra de May entra a imitar el rango superior del piano en el minuto 1:50. May produce el escalofrío del que habla el tema arañando las cuerdas en el otro lado del puente. El narrador se despide del mundo anunciando que que debe prepararse "para enfrentar la verdad". En esta parte en el video promocional, Mercury abandona el piano, e interpreta los dos versos siguientes de pie con un micrófono. El bajo cromático modula quedándose en la tonalidad de la, como en la sección operística.

Resaltando la naturaleza fálica de las pistolas, Peirano sugiere que la canción es un "melodrama del erotismo masculino", aunque a diferencia de Whiteley, no se basa en detalles biográficos de su compositor.​ Peirano da una lectura basada en el complejo de Edipo, citando partes de la letra con connotaciones sexuales ("Too late, my time has come/Sends shivers down my spine/Body's aching all the time"). Como Whiteley, Peirano identifica estos versos como culpa y deseo.

"Para muchos adolescentes que escuchen esta canción, estas frases pueden descriir las sensaciones físicas del despertar sexual y las emociones conflictivas que lo acompañen. Si dicho despertar está orientado a la homosexualidad, será más grande la culpa y la necesidad de confesarlo".​

Solo de guitarra (2:36–3:03)

Archivo:Brianrs.jpg

El guitarrista Brian May tocando la Red Special, guitarra con la que interpretó el solo de "Bohemian Rhapsody".

Mientras que Mercury canta el verso "I sometimes wish I'd never been born at all", la banda hace que el sonido crezca en intensidad, concluyendo con un solo de May que hace de puente entre la balada y la sección de ópera. La inensidad sigue creciendo, pero cuando la línea de bajo termina su descenso estableciendo la nueva tonalidad, el sonido se corta abruptamente en el minuto 3:03, quedando solamente acordes en la mayor en el piano.

El producto Roy Thomas Baker dijo que el solo de May fue grabado en sólo una toma. El guitarrista afirmó que quiso componer "una pequeña melodía que haga de contraparte a la principal, no quise simplemente tocar la melodía".​ May afirmó que su mejor material se basa en esta forma de trabajo, en la que se piensa en la melodía antes de tocarla: "Los dedos se vuelven predecibles a menos que sean dirigidos por el cerebro".​

Judith Peirano comentó que "el joven héroe, ya habiendo confesado su crimen a su madre deja su casa para 'enfrentar la verdad' y luego se encuentra en el extraño mundo de la ópera italiana". Su viaje está representado por el solo de guitarra que da paso a los acordes del piano".​ Ella compara el interludio intrumental con el "mismo momento estructural" de la canción de The Beatles "A Day in the Life", cuando "la orquesta se detiene luego de la primer sección de fanatsíay suenan los acordes en el piano".​

Ópera (3:03–4:07)

Rápidos y abruptos cambios de ritmo y armonía introducen esta sección seudo operística, que contiene la mayor parte de los efectos de las grabaciones superpuestas. Aquí se describe el descenso del narrador al infierno. Mientras que el pulso normal de la canción se mantiene, la dinámica de la canción varía enormemente en cada estrofa. Se pasa de Mercury cantado solo con el piano a un coro de muchas voces sostenido por un acompañamiento de bajo, batería, piano y timbales. El efecto del coro tan numeroso fue creado superponiendo las 180 cintas separadas que se obtuvieron de las grabaciones de doce hras al día de May, Mercury y Taylor. Estas cintas luego fueron combinadas para crear submezclas. Según Taylor, las voces de May y Mercury combinadas con la suya producían un amplísimo registo vocal: "Brian podía cantar muy bajo, Freddie poseía una voz poderosa cuando se quedaba en el medio, y yo era bueno cantando muy agudo". La banda quiso crear "una pared de sonido, que empieza en lo grave y termina en lo agudo".​ La bnada usó un efecto campana para los versos "Magnifico" y "Let me go". En este último verso, las notas altas de Taylor continuan sonando cuando el resto del "coro" se detiene.

La letra hace referencia a "Scaramouche", el fandango, Galileo Galilei, Fígaro y "Bismillah" como fersonajes que luchan por el alma del muchacho. Peirano llama a la secuencia "una suerte de juicio y un rito de pasaje. Un coro acusa y el otro defiende, mientras que el héroe se presenta como inocente".​ Luego, se utiliza la misma escala que en el principio de la canción, con la escala cromática en "I'm just a poor boy, nobody loves me". La sección finaliza con un coro numeroso interpretando el verso "Beelzebub has a devil put aside for me", en la tonalidad de si bemol. Roger Taylor interpeta las notas más altas con su falsete en si bemol en la quinta octava.

Usando la tecnología disponible en aquel entonces, la sección de ópera tardó tres semanas en grabarse.​ El productor Roy Thomas Baker dijo que "cada vez que Freddie cantaba un 'Galileo', yo tenía que añadir otro pedazo de cinta al rollo".​

Sobre el tema de la dificultad de Mercury para expresar su sexualidad, Whiteley destaca el rol de las voces graves, que se relacionan con lo masculino y las femeninas, asociadas con lo femenino. Estas voces cumplen un papel importante en su necesidad de liberación.​

Rock (4:07–4:55)

La sección operística conduce a un interludio de rock con un riff de guitarra escrito por Mercury. En el minuto 4:15, el pianista canta agresivamente dirigiéndose a un you inespecificado, acusándolo/a de traición y abuso, insistiéndole con el verso "can't do this to me, baby", que puede interpetarse en función a los eventos descritos en la sección de balada, sobretodo el asesinato. Luego se pueden escuchar las tres voces superpuestas de un solo de guitarra compuesto por escalas, y Mercury interpeta algo similar en el piano.

Peirano escribe que luego del juicio en la parte operística, "el héroe se vuelve desafiante y sale victorioso de la ópera como un rebelde".​ La crítica Sheila Whiteley piensa que esta sección es una declaración de necesidad de abrasar la vida homosexual, de dejar a Mary Austin para poder vivir con otro hombre y sentirse más libre.​

Coda (4:55–5:55)

Luego de que Mercury canta notas ascendientes de la escala de si bemol, luego la canción regresa al tempo y la forma de la introducción y la balada. La guitarra acompaña al coro que dice "ooh yeah" sucesivas veces. El sonido de la guitarra pasa por un amplificador diseñado por el bajista John Deacon, llamado "Deacky Amp", La línea que dice "nothing really matters" aparece de nuevo, sugieriendo con las tonalidades menores resignación y sensación de libertad debido al ampplio registro que utiliza el cantante.​

Según Judith Peirano, esta sección final añade "un nivel de resistencia al masculino rock". Esta resistencia es lograda a través de "la instancia bohemia detrás de la identidad, que involucra una pobre auto-definición ('Anyway the wind blows')".​ La línea final es seguida por un golpe de gong, ejecutado por Roger Taylor que libera la tensión provocada a lo largo de toda la canción.​

Lanzamiento

Cuando la banda quiso lanzar "Boheian Rhapsody" como sencillo, varios ejecutivos les señalaron que debido a su larga duración (5:55) nunca llegaría a ser un éxito. Según Baker, él y Queen le dieron al DJ Kenny Everett una copia de la canción, diciéndole que nunca debía transmitirla en la radio. Su contestación fue, según el productor: "Nunca lo haré", mientras guiñaba un ojo.​ Su plan funcionó. Everett sólo pasó partes de la canción, y su audiencia le demandó que ponga la canción muchas veces, llegándola a reproducir catorce veces en dos días.​ Hordas de fanáticos trataron de comprar el sencillo el lunes siguiente, pero "Bohemian Rhapsody" todavía no había salido a la venta.​ Ese mismo fin de semana, Paul Drew, quien dirigía la radio RKO en Estados Unidos escuchó la canción en el show de Everett en Londres. Drew consiguió una copia del sencillo y empezó a transmitirlo en su país, en asociación con la discográfica estadounidense de Queen, Elektra. En una entrevista con Sound on Sound, Baker comentó que "era curioso cómo en ambos lados del Atlántico se tranmitía un tema por la radio que las discográficas rechazaron tanto".​ Finalmente el sencillo fue lanzado, con el tema "I'm in Love with My Car" como lado B.

La canción monopolizó las listas británicas, ppermaneciendo en su cima durante nueve semanas.​ "Bohemian Rhapsody" fue el primer sencillo en estar dos veces en el puesto número uno con la misma versión.​ Luego de la muerte de Freddie Mercury en 1991 fue sacado otra vez a la venta con "These Are the Days of Our Lives" como lado B, permaneciendo en el primer lugar durante cinco semanas.

En Estados Unidos, el sencillo fue un éxito, pero a menor esacla que en el Reino Unido. El sencillo original, lanzado a principios de 1976, llegó al puesto número nueve del Billboard Hot 100, mientras que su lanzamiento en 1992 lacanzó el segundo lugar. En una entrevista, Anthony DeCurtis de la Rolling Stone comentó que "Bohemian Rhapsody" es "la quintaescencia de la clase de cosas que no tienen éxito en Estados Unidos".​

Video promocional

Pese a que muchos artistas habían hecho videoclips para acompañar sus canciones (incluyendo a los mismos miembros de Queen, en canciones como "Keep Yourself Alive", "Seven Seas of Rhye", "Killer Queen" y "Liar", que ya tenían "promociones pop", como se llamaban en aquel entonces), no fue hasta después del éxito de "Bohemian Rhapsody" que se volvió una práctica regular de las discográficas el producir esta clase de videos para acompañar los sencillos. Estos videos luego podían ser transmitidos en los shows televisivos sin la necesidad de que el artista esté allí en persona. Los videos permitieron al artista mostrar lo que quisiera, como bailarines. Según May, el video fue hecho de tal manera que nadie pudiera imitarlo en proramas como Top of the Pops, porque eso no encajaba con su estilo.​

La banda firmó con una compañía llamada Trillian, y el video se filmó en los estudios Elstree, donde Queen practicaba para las giras. Fue dirigido por Bruce Gowers, quien ya había dirigido otro video en vivo de la banda en 1974 en el Rainbow Theatre, y fue grabado por el camarógrafo Barry Dodd y su asistente Jim McCutcheon.​ La toma de planos sólo tomó cuatro horas y costó entre cuatro mil y cuatro mil quinientas libras.​​ La banda estuvo envuelta en la discusión sobre cómo hacer el video y el resultado final, pero según el director "hubo sólo un líder".​

El video empieza con una postal de los cuatro miembros de la banda en una media oscuridad cantando la parte a cappella. Luego, el rostro de Mercury se superpone a los de los demás cuando canta su primera línea en solitario. La formación de dicha imagen es la misma que usaron para la portada de Queen II. Esta fotografía, inspirada en una de Marlene Dietrich, es la imagen de Queen que más le gusta a la banda.​

Todos los efectos especiales fueron creados durante la grabación. El de la imagen de Freddie Mercury extendiéndose hacia lo lejos en azul fue logrado madiante la colocación de la cámara frente a un monitor. El de la colmena se logró usando lentes con dicha forma.​

Luego de la introducción, se ve a los miembros de Queen tocando sus respectivos instrumentos. En la sección operística, se vuelve a verlos de pie en esa posición, y en el rock vuelven a un escenario, y en la parte de la coda se distingue a Roger Taylor desnudo hasta la cintura tocando un Gong a la manera de la firma Rank Organisation, imagen que acompañaba todos los comienzos de las películas peoducidas por ésta.​

El video se editó cinco horas después porque sería lanzado la misma semana en que fue grabado. Fue enviado a la BBC cuando estuvo listo, y fue transmitido en el programa Top of the Pops en noviembre de 1975.​

Recepción de la crítica

Queen durante un concierto en Hannover en 1979.

Pese a que la canción es una de las más reverenciadas en la historia de la música popular, algunas críticas iniciales fueron negativas. Melody Maker dijo que Queen "se aproximaba a la furia demencial de la Balham Amateur Operatic Society al interpretar 'The Pirates of Penzance'".​ El crítico Allan Jones dijo escuchar "una levemente impresionante imitación del estilo operístico".​

La canción ganó numeroso premios, y fueron hechas muchas versiones sobre ella. En 1977, dos años después de su lanzamiento, la British Phonographic Industry nombró a "Bohemian Rhapsody" el mejor sencillo británico del período 1952-1977.​​ El sencillo figura regularmente en las listas de las mejores canciones de todos los tiempos, y el Libro Guinness de los Récords lo nombró el mejor sencillo británico de todos los tiempos.​ En 2004, la Rolling Stone ubicó esta canción en el puesto número 163 en su lista de las mejores canciones de todos los tiempos.​

Además quedó en el décimo puesto en una encuesta de la BBC que pretendía hallar la canción favorita del mundo.​ En el 2000 salió segunda después de "Imagine" de John Lennon en una encuesta realizada por Channel 4 sobre los mejores sencillos número uno de todos los tiempos. "Bohemian Rhapsody" figuró entre los cinco primeros puestos del "Top 100 Aller Tijden" alemán desde 1977, alcanzando la cima ocho veces.​ En el anual "Top 2000", que funciona desde 1999, estuvo, hasta 2005, en el puesto número uno cada año. En 2005, pasó al segundo puesto, para recuperar su anterior ubicación en 2006. En las ediciones de 2007, 2008 y 2009 volvió a estar en la cima una vez más.​

En 2004 la canción fue ubicada en el Grammy Hall of Fame.​ En ese mismo año, la canción fue la más transmitida en las radios británicas, en clubes y espacios públicos, luego de "A Whiter Shade Of Pale", de Procol Harum.​

Wayne's World

La canción disfrutó de renovada popularidad en 1992 como parte de la banda sonora de la película Wayne's World. La directora del filme, Penelope Spheeris, dudaba de usar la canción , porque no se correspondía con los gustos musicales de los personajes principales, fanáticos del heavy metal y el hard rock. Sin embargo, Mike Myers insistió que la canción sí combinaba con la escena.​

Según Theodore Gracyk, en 1992, cuando fue lanzada la película, hasta las estaciones de rock clásico dejaron de transmitir la canción de seis minutos.​ Gracyk sugiere que el comenzar la canción en la mitad después de "la letra que provee la narrativa de la canción [...] fuerza al público de la película a responder a su presencia en la escena sin el 'comantario' de la letra".​ Gracias a "Bohemian Rhapsody", la banda sonora de Wayne's World fue un gran éxito.​

Un nuevo video fue lanzado, con extractos del video original, conciertos en vivo de la banda y algunas escenas de la película. La versión del video de "Bohemian Rhapsody" de Wayne's World hizo que Queen ganara un premio de la MTV por mejor video para una película.​ Cuando Brian May y Roger Taylor subieron al escenario para aceptar el premio, el primero estaba tan emocionado que "Freddie estaría contento".

Myers se horrorizó cuando descubrió que la compañía de grabación había mezclado fragmentos del video de Queen con pequeños extractos de Wayne's World, creyeno que esto enojaría a la banda. Entonces, le pidió a la discográfica que lo del video no había sido idea suya, se disculpó ante Queen. Sus miembros le respondieron simplemente diciéndole "gracias por usar nuestra canción". Esto impresionó mucho a Myers, quien se sentía como para decirles "gracias por dejarme tocar el dobladillo de su ropa".​

En la escena final del video, la pose del video de "Bohemian Rhapsody" se desvanece para dar paso a una fotografía idéntica pero tomada en 1985 para el video de "One Vision".

Interpretación en vivo

Queen durante un concierto en vivo en 1984.

El comienzo a cappella era muy complejo como para ser interpretado en vivo, por lo que Mercury inventó muchas introducciones para abrir la balada. Cuando la canción "Mustapha" se volvió muy común en sus presentaciones, el cantante comenzó a usar el comienzo de ésta, ya que era más facil de cantar a una sola voz. Durante el Hot Space Tour y en otras ocasiones, Mercury hacía una improvisación en el piano (generalmente la introducción de "Death on Two Legs"), que terminaba con las primeras notas de "Bohemian Rhapsody". En otras oportunidades, luego del final de cualquier canción, Mercury se sentaba en el piano, decía unas palabrs y empezaba a interpretar la balada.

Inicialmente y siguiendo el lanzamiento del sencillo, la sección operística fue un problema para la banda. Debido a los efectos logrados durante la grabación, esta parte no podía ser interpretada en vivo. El grupo no tuvo un tiempo suficiente de descanso entre las giras de Sheer Heart Attack y A Night at the Opera como para encontrar una manera de poder cantar esa parte en vivo, por lo que acordaron dividir la canción en tres partes, que serían tocadas a lo largo de la noche. La balada inicial y la coda estarían como principio y final, respectivamente de una seguidilla que en reemplazo de las secciones restantes de "Bohemian Rhapsody" tomaría a "The March of the Black Queen" y "Killer Queen".

Starting with the A Day at the Races Tour in 1977, the band adopted their lasting way of playing the song live. The opening ballad would be played on stage, and after Brian May's guitar solo, the lights would go down, the band would leave the stage, and the operatic section would be played from tape. A blast of pyrotechnics after Roger Taylor's high note on the final "for me" would announce the band's return for the hard rock section and closing ballad. Queen played the song in this form all through the Magic Tour of 1986. This style was also used for the Freddie Mercury Tribute Concert, with Elton John singing the opening ballad and then after the taped operatic section, Axl Rose singing the hard rock section. John and Rose sang the closing ballad part together in a duet.

En la gira de A Day at the Races en 1977, la banda adoptó su forma definitiva de interpretar "Bohemian Rhapsody" en sus conciertos. La balada inicial sería interpretada en el escenario, y luego del solo de Brian May, las luces se apagarían y Queen abandonaría el escenario. La sección operística sería reproducida de la cinta. Luego, una explosión de fuegos artificiales anunciaría el retorno del grupo al escenario, para interpretar la parte de rock y la balada final. Queen interpretó así la canción durante su Magic Tour en 1986. De esta manera también fue tocada en el Concierto en tributo a Freddie Mercury, con Elton John cantando la balada del comienzo y Axl Rose la parte de rock, haciendo a dúo el final.

En las giras de Queen + Paul Rodgers, se mostraba un video de Mercury tocando el piano y cantando el primer segmento mientras los otros músicos interpretaban sus partes. Rodgers no participaba.​​

Imágenes del concierto Live at Wemberley '86 fueron usadas para la gira de 2005-6, y las de su actuación en Montreal en 1981 se emplearon para la gira Rock the Cosmos Tour. Como en las giras de Queen, la banda salía de escena para la sección de ópera, mientras se reproducía un video en tributo a Freddie Mercury y John Deacon debido a que este último se retiró. Cuando la parte de rock empezaba, las luces volvían y la banda entera interpetaba dicho segmento. En el final se lo ve a Rodgers cantando a dúo con la grabación de Mercury, permitiendo que el público los acompañe, mientras en el video se ve a Mercury saludando al público. La línea final de la canción ería repetida luego por Rodgers, mientras Mercury sonreía a su audiencia. . Brian May comentó sobre esto que ellos "tuvieron que enfrentar el desafío de colocar a Freddie en su justo lugar pero sin disminuir a Paul de ninguna forma. Esto además nos hacía ser percibidos como vivos y 'presentes', pero igualmente conscientes y orgullosos de nuestro pasado, como debe ser".​

Personal

• Freddie Mercury: voz, piano
• Brian May: guitarra, coros
• John Deacon: bajo eléctrico
• Roger Taylor: batería, timbales, gong, coros

Lista de posiciones

Listas de 1975 o 1992	Posición
Lista de sencillos del Reino Unido​	1
Lista de sencillos de Irlanda	1
Lista de sencillos de Nueva Zelanda	1
Lista de sencillos de Holanda​	1
Billboard Hot 100 de Estados Unidos​	2
Lista de sencillos de Suiza​	4
Lista de sencillos de Noruega​	4
ARIA de sencillos Australianos	5
Lista de sencillos de Alemania Media Control​	7
Lista de sencillos de Austria​	8
Lista de sencillos de Francia​	15
Lista de sencillos de Suecia​	18

Referencias

Bibliografía utilizada

• Barrow, Tony; Newby, Julian (1 de diciembre de 1994). «Video (10)». Inside The Music Business. London: Routledge. p. 91. ISBN 0415136601. 
• Creswell, Toby (11 de agosto de 2006). 1001 Songs: The Great Songs of All Time and the Artists, Stories and Secrets Behind Them. New York: Thunder's Mouth Press. pp. 208-209. ISBN 1560259159. 
• Gracyk, Theodore (2007). Listening to Popular Music, Or, How I Learned to Stop Worrying and Love Led Zeppelin:. Michigan: University of Michigan Press. ISBN 0472069837. 
• McLeod, Kenneth (May de 2001). «Bohemian Rhapsodies: Operatic influences on rock music». Popular Music (Cambridge: Cambridge University Press) 20 (2): 189-203. ISSN 0261-1430. doi:10.1017/S0261143001001404. 
• Whiteley, Sheila (2006). «Popular Music and the Dynamics of Desire». En Sheila Whiteley & Jennifer Rycenga, ed. Queering the Popular Pitch. CRC Press. pp. 249-262. ISBN 041597805X. 
• Peraino, Judith A. (2006). Listening to the Sirens: Musical Technologies of Queer Identity from Homer to Hedwig. University of California Press. ISBN 0520215877. 

Enlaces externos

• Queenpedia
• Queenonline